Dans ce livre publié en 2005, Alyse Gaultier, une comédienne et auteure française, offre une centaine de pages pour aider les lecteurs à se familiariser avec Gustav Klimt, un peintre célèbre pour ses compositions ornées d’or. Le livre explore les œuvres et la vie de Klimt, un des fondateurs du mouvement artistique sécessionniste.
Résumé partie par partie de L’ABCdaire de Klimt d’Alyse Gaultier
Klimt Raconté
Dans cette partie, l’auteur retrace la vie de Gustave Klimt.
Gustave Klimt était un peintre viennois né dans une famille modeste le 14 juillet 1862. Il a été introduit dans le monde de l’art par ses parents et a étudié la peinture décorative à l’école des arts décoratifs de Vienne. Avec son frère Ernst et un ami, il a fondé la Compagnie des Artistes, qui a travaillé sur des commandes ornementales pour les édifices de l’église votive du Ring. Au début, son style artistique était similaire à celui de Makart, mais il a développé un attrait pour le symbolisme et les femmes dans ses peintures ultérieures. La Compagnie des Artistes a grandi en taille et en influence, et Klimt a reçu la Médaille du mérite artistique en 1888.
Gustave Klimt est un peintre moderniste qui a rompu avec l’art conservateur de l’époque. Après la mort de son frère, il a dû s’occuper financièrement de sa famille et a cessé de produire de l’art pendant un certain temps. Lorsqu’il est revenu, son style avait changé et il utilisait ses peintures pour exprimer ses propres angoisses. Son utilisation de l’art pour dénoncer des problèmes sociaux a provoqué des réactions négatives de la part de certains, mais il a trouvé des défenseurs en la personne d’historiens d’art et de responsables culturels. Klimt a continué à peindre des œuvres controversées, ce qui a conduit à des conflits avec ses détracteurs et a finalement conduit à la rupture de ses liens avec le ministre de la Culture. Klimt a refusé de céder ses peintures à l’État et a lutté pour les racheter.
Gustav Klimt était un artiste autrichien du 19ème siècle connu pour son art nouveau et ses peintures de femmes. Il a fait partie du groupe Künstlerhaus, mais a quitté cette organisation pour créer la Sécession avec d’autres artistes. Il a été critiqué pour ses peintures pour l’université et a dû se tourner vers des commandes de portraits et de paysages pour aider sa famille financièrement. Bien que ces commandes soient alimentaires, elles lui ont permis de trouver de nouvelles solutions artistiques et de choisir de peindre uniquement des femmes après 1895. Klimt a su réinventer l’art du portrait qui avait été mis à mal par la photographie.
Quant aux paysages, Klimt s’adonne aux symbolismes (forêt de hêtres), au pointillisme de Seurat (Champ de coquelicot), à l’expressionnisme (jardin au crucifix) ainsi qu’aux simplifications de Cézanne (l’église d’Unterach sur l’Attersee).
Gustave Klimt était un peintre connu pour ses tonalités contrastées dans ses portraits originaux, influencées par ses voyages en Roumanie et en Moravie. En 1918, il a été frappé d’une attaque d’apoplexie et est décédé à l’âge de 56 ans. Il a été enterré au cimetière de Hietzing.
Abécédaire
Cette partie est un abécédaire reprenant un à un les thèmes les plus importants de la vie de l’auteur. Pour aider le lecteur à se repérer, un code couleur a été instauré. Le vert clair désigne les mouvements artistiques, le bleu foncé désigne les travaux ou les peintures de l’œuvre, le violet concerne toutes les personnes et tous les scandales qu’a rencontré le peintre.
Dans la partie A, on y parle de l’Académisme, des Allégories et emblèmes, des Allégories marine, des Amantes bourgeoises, de son oeuvre L’Amour, de l’Androgyne, de l’Art Nouveau, les Ateliers viennois et l’Autriche hongrie.
Quelques exemples :
- L’Académisme est un courant artistique qui suit des règles strictes en matière de composition et de technique, en s’inspirant des maîtres anciens. Gustav Klimt a commencé sa carrière en suivant ces règles, avant de s’en éloigner pour explorer de nouvelles voies artistiques.
- Amantes bourgeoises : Gustav Klimt était connu pour avoir entretenu des relations amoureuses avec des femmes de la haute société viennoise. Trois de ses amantes ont été identifiées comme étant Alma Schindler, Sonja Knips et Serena Lederer. Ces femmes ont toutes été des sources d’inspiration pour Klimt dans ses œuvres d’art.
- “L’Amour“ est une peinture de Klimt réalisée en 1895. Elle représente un couple enlacé, symbole d’un amour menacé par des forces extérieures. La composition de la peinture est caractéristique du style de Klimt, avec des couleurs contrastantes et un traitement ornemental des détails.
Ces femmes ont toutes été des sources d’inspiration pour Klimt dans ses œuvres d’art.
Dans la partie B, on y évoque Bahr (Hermann), des indication sur ses tableau “Le Baiser”, “La Ballerine et Le Berceau, Bloch (Ferdinand et Adèle).
Exemple : Le Baiser de Klimt est un tableau célèbre qui date de 1908. Cette oeuvre est considérée comme emblématique de la période dorée de Klimt et est ornée de feuilles d’or et d’argent. Le tableau représente un couple enlacé et se caractérise par une absence de perspective et une juxtaposition de motifs décoratifs empruntés à l’art japonais et aux mosaïques de Ravenne. Le thème central du tableau est la fusion des amants, une idée déjà abordée dans d’autres œuvres de Klimt. La femme est représentée comme passive et intuitive, tandis que l’homme est perçu comme rationnel et entreprenant, ce qui reflète les idées de l’époque sur les différences entre les sexes. Le Baiser de Klimt est considéré comme une œuvre symboliste qui reflète la volonté collective de l’époque d’abolir ces différences.
Dans la Partie C, l’auteur parle des Collectionneurs, des Couples, de la Critique, du Cycle de la vie.
Exemple : Le Cycle de la vie était un thème important dans les œuvres de Klimt. Cela a commencé en 1895 avec “L’Amour” et s’est développé dans des œuvres telles que “La Philosophie” et “La Médecine“. Le décès de sa sœur, de son père et de son frère ainsi que celui de son propre enfant ont influencé Klimt et lui ont fait prendre conscience du passage du temps et de la mort inévitable. Ce thème était souvent traité de manière monomaniaque dans ses œuvres ultérieures, comme dans “Procession de morts” et “Les trois âges de la Femme“. Dans “La Vie et la mort“, Klimt a abordé la mort comme un apaisement et un endormissement progressif.
Dans la Partie D, on y retrouve Danaé, les Dessins, la période Dorée, les écrivains, l’épousée, des indications sur les tableaux Espoir I et II.
Exemple : La Période Dorée est une phase de l’œuvre de Gustav Klimt, située entre 1901 et 1908, est caractérisée par l’utilisation de feuilles d’or et d’argent dans ses peintures, donnant ainsi à ses œuvres une luminosité unique. Cette période est composée principalement d’allégories et de portraits, rompant radicalement avec les créations académiques antérieures de Klimt. Représentant les préceptes de l’Art Nouveau, cette période inclut également des arts appliqués, comme des frises décoratives, et offre une synthèse de modernité et de tradition. Les sujets représentés sont souvent féminins, parfois nus et subversifs, inspirés des mythes et des récits bibliques. Les portraits de Klimt incluent souvent des postures égyptiennes, médiévales ou androgynes. La réalité des figures contraste avec l’abstraction des éléments symboliques qui les entourent, reflétant ainsi l’univers psychique du modèle. Ensemble, ces oeuvres reflètent leur époque, avec des influences avant-gardistes, primitivistes et japonaises, et continuent d’exercer un fort pouvoir d’attraction.
Dans la Partie F, l’auteur nous parle de sa Famille, des Femmes, du concept de Femmes fatales, de sa période fleurie, de Flöge (Emilie), de Freud (Sigmund), de ses tableaux “Frise Beethoven”, “Frise Stoclet”.
Exemple :
La Période Fleurie est une phase, qui a débuté en 1911, a été caractérisée par l’utilisation de l’arabesque et des motifs floraux dans ses peintures, ainsi que par une inspiration empruntée à l’art japonais. Klimt a également exploré des thèmes tels que le couple, le saphisme et le cycle de la vie dans ses œuvres. Sa palette s’est intensifiée et son pinceau s’est libéré grâce à des influences allant de Matisse à l’art congolais. Cette période a été considérée comme une rupture avec les tendances artistiques contemporaines, telles que le fauvisme, le cubisme et l’abstraction. Klimt a opposé des contrastes harmonieux, une décomposition équilibrée des sujets et une indifférence face aux événements dans ses peintures fleuries. En fin de vie, il a gagné en sérénité et en réalisme, comme en témoignent ses peintures de femmes qui ont évolué de femmes fatales à des figures de mères et de femmes mariées.
La Frise Beethoven de Klimt a été présentée lors de la 19ème exposition du palais de la sécession à Vienne en 1902. Elle était composée de trois murs de la nef latérale et faisait référence à l’hymne à la joie de Schiller, qui avait inspiré la 9ème symphonie de Beethoven. La frise utilisait des éléments tels que des clous, des bijoux et des miroirs pour exprimer les thèmes de l’aspiration au bonheur, des puissances hostiles et de la poésie. Klimt s’était peint lui-même dans l’homme-armé et celui qui reçoit le baiser, et les sécessionnistes considéraient que le bonheur était réservé à une élite sensible aux arts. Le catalogue de l’exposition n’a pas mentionné ces détails, mais l’œuvre a été l’une des plus marquantes de l’exposition.
Dans les parties G, H, I, J, l’auteur nous parle de divers éléments comme :
La Grossesse : Klimt a révolutionné l’histoire de l’art en représentant une femme enceinte nue dans plusieurs de ses œuvres. Ce sujet, peu commun en Occident à cette époque, est apparu pour la première fois dans “La Médecine” et est devenu central dans les versions de “L’Espoir” et ses esquisses. Les raisons de l’abordage de ce thème par Klimt sont diverses, allant de la provocation des bonnes mœurs de l’époque à la perte de son fils en 1902. Ces œuvres ont choqué la bourgeoisie de Vienne et ont été censurées lors de la rétrospective de Klimt au palais de la sécession en 1903. “L’Espoir” n’a trouvé preneur qu’en 1914 et a été caché pour ne pas choquer les esprits. Klimt a également inspiré d’autres artistes tels que Schiele et Otto Dix dans leurs représentations de la femme enceinte.
Japonisme : Klimt a continué la tradition du japonisme en Europe en s’inspirant de l’art japonais dans ses œuvres. Il possédait de nombreux objets d’Extrême-Orient dans son atelier et a trouvé dans cet intérêt des solutions pour renouveler son langage pictural. Sa période dorée a été influencée par les formats rectangulaires et les plans plats de l’art japonais, ainsi que par l’utilisation de l’or et de l’argent. Sa visite au musée Guimet en 1909 a également contribué à son intérêt pour les motifs décoratifs de l’Asie, comme en témoignent les oiseaux dragons, les guerriers et les kimonos dans ses œuvres ultérieures.
Judith I et II : Les deux versions de Judith par Klimt sont considérées comme des représentations remarquables de la femme fatale. Inspirées du sujet symboliste récurrent de la séductrice cruelle, elles reprennent l’histoire de Judith de la Bible, qui a sauvé son peuple en séduisant et tuant le général ennemi Holopherne. Dans les tableaux de Klimt, Judith est montrée comme un être narcissique et menaçant, doté d’une bouche démoniaque et androgyne. La composition met en avant la beauté de Judith et ignore le regard du spectateur. La deuxième version diffère de la première par son format, ses éléments décoratifs et la figuration plus évidente d’Holopherne. Il semble que Klimt se soit inspiré de Adèle Bloch Bauer, qui était son amante, pour certains détails.
Dans les parties L,M,N,O,P l’auteur aborde différentes choses comme :
La Médecine est une peinture de Klimt présentée en 1901 à la 10e exposition de la Sécession. Elle représente le cycle de la vie et le passage de la vie à la mort, avec des personnages féminins aux différents âges de la vie et des personnages masculins affaiblis. La Mort et Hygie sont également présentes dans l’œuvre. La peinture a suscité des réactions négatives de la part de la presse et du corps médical, qui ont critiqué certains détails de l’œuvre.
Nuda Veritas, peinte en 1899 par Gustav Klimt, est considérée comme un manifeste de l’art nouveau. L’œuvre présente une muse nue, inspirée de la déesse Niké, porteuse d’un miroir symbolisant la vérité. Le serpent, les pissenlits et les marguerites présents dans le tableau renvoient à des symboles bibliques et de la nouvelle esthétique de l’art nouveau. La citation de Schiller présente dans l’œuvre montre l’engagement de Klimt à briser les normes sociales imposées par l’État et à soutenir ses disciples dans la création d’un art subversif.
“Si tu ne peux plaire à la foule par tes actions, contente-toi de plaire à une poignée de gens. Plaire à la multitude et un mal” (Schiller). Désormais engagé à briser le miroir social complaisant édifié par les artistes soumis aux diktats de l’État, Klimt allais bientôt être à l’origine de plusieurs scandales.”
Paysages : Il semble que l’artiste en question ait été inspiré par plusieurs mouvements et artistes différents dans sa période de peinture de paysages. Cela a débuté avec des peintures d’atmosphère inspirées par les symbolistes du Nord, avec des forêts de troncs d’arbres alignés et une absence d’humains. L’artiste a également expérimenté avec le pointillisme de Seurat, créant des peintures joyeuses et animées. La rencontre avec l’avant-garde viennoise a également influencé l’artiste, avec des œuvres montrant une atmosphère irrespirable cohabitant avec l’expressionnisme violent de Schiele et Kokoschka. La découverte de Cézanne a également influencé l’artiste, avec des perspectives renversées et des formes géométriques typiques du précubisme. Ensemble, ces peintures de paysages ont servi de transition vers les périodes dorées et fleuries de l’artiste, tout en exprimant la nostalgie d’une nature pure et originale sans intervention humaine et en mettant en lumière les dangers que court l’humanité en voulant agir sur l’ordre du monde.
Dans les dernières parties, l’auteur évoque divers thématiques tels que :
Scandale : Gustav Klimt est un peintre autrichien célèbre pour ses œuvres controversées. En 1894, il reçoit une commande pour peindre trois toiles pour l’Université de Vienne. En 1901, il présente “La médecine“, qui est immédiatement saisie par le tribunal et détruite. En 1903, il présente “La jurisprudence” qui provoque également une vive controverse. Malgré la pression exercée pour ne pas présenter ces œuvres à l’Exposition internationale de Saint-Louis, Klimt parvient à les racheter en 1904, et à les conserver jusqu’à ce qu’elles soient détruites par les nazis pendant la Seconde Guerre mondiale.
Ver Sacrum était une revue artistique fondée à Vienne en 1898 par Koloman Moser, Alfred Roller et Felician von Myrbach. Le nom de la revue, qui signifie “printemps sacré” en latin, faisait référence à la tradition romaine selon laquelle les produits de la nouvelle saison étaient offerts aux dieux pour protéger la patrie et pour que les enfants nés à cette période quittent leur ville natale pour fonder une nouvelle communauté prospère. La revue visait à promouvoir un art indépendant et moderne qui se distinguait de l’ancien et qui serait soutenu par les institutions de l’Empire autrichien. Gustav Klimt était l’un des membres du comité de rédaction de Ver Sacrum et a contribué à la revue en publiant des lithographies et en travaillant sur des objets de publicité. Suite au scandale des peintures de l’université, la revue a failli cesser de paraître en 1901, mais la requête du procureur impérial a été rejetée et la revue a continué à exister jusqu’aux premières tensions entre les membres de la sécession en 1903.
