Publié à titre posthume, Paradoxe sur le comédien est un essai dans lequel Denis Diderot explore la nature du véritable comédien. Selon lui, le bon comédien joue avec intelligence plutôt qu’avec l’âme. Cet essai, publié en 1830, vise à clarifier la définition du véritable comédien selon l’auteur français. Étudions ensemble ce qu’est un bon comédien pour cet auteur des Lumières.
Résumé court
Dans son exploration de l’art du théâtre, Diderot interroge la prépondérance du talent inné et de l’expérience face à l’art de l’imitation. Il différencie les comédiens qui excellent dans l’imitation et ceux qui sont dotés d’un génie artistique inné. Des acteurs de renom tels que Mlle Clairon et Dumesnil sont cités pour illustrer leurs approches distinctes de l’interprétation. Les acteurs, suggère-t-il, se doivent de maîtriser l’art de l’imitation de divers rôles sans être submergés par leurs propres afflux émotionnels.
Pour appuyer son point de vue, Diderot crée un débat entre deux protagonistes qui disséquent les subtilités de l’art dramatique. Ils discernent entre les représentations qui reflètent la réalité et celles qui sont idéalisées, mettant en exergue le rôle pivot de la sensibilité. Ils mettent également l’accent sur la distinction entre les émotions véritablement ressenties et celles dépeintes sur scène, tout en dénonçant l’artifice dans l’art du théâtre.
Diderot s’attaque ensuite à la complexité inhérente à l’interprétation théâtrale, interrogeant la facilité avec laquelle on peut feindre la sensibilité et les dilemmes potentiels qui peuvent surgir entre la vérité naturelle et la vérité conventionnelle du théâtre. Il soutient que le comédien d’exception a le don de s’éclipser lui-même afin d’incarner l’idéal artistique.
Pour finir, un débat se déroule sur l’impact que peuvent avoir les acteurs sur scène, l’authenticité des émotions véhiculées et les dangers possibles d’une immersion trop intense. Ils aboutissent à la conclusion que l’efficacité des acteurs ne réside pas dans l’expérience réelle des passions, mais plutôt dans leur capacité à les imiter de manière convaincante.
Résumé détaillé de Paradoxe sur le comédien de Denis Diderot
Au XVIIIe siècle, le théâtre se développe avec différentes troupes, dont les Italiens et la Comédie-Française. L’engouement pour le théâtre pousse des penseurs comme Diderot à réfléchir sur le jeu du comédien. Dans son essai Paradoxe sur le comédien, Diderot remet en question l’idée que le comédien doit utiliser ses propres émotions, exposant ainsi un “paradoxe sur le comédien“.
Préface
Diderot critique l’importance accordée à la lecture dans la formation des acteurs, préférant le talent naturel et le travail acharné. Il met en évidence la différence entre les comédiens compétents d’imitation et ceux de génie, souvent inégaux mais parfois brillants. La confusion entre les interprétations théâtrales françaises et anglaises est mentionnée. L’acteur idéal est décrit comme un spectateur impartial de l’humanité, capable d’imiter divers rôles sans émotion. Diderot contraste l’actrice réfléchie Mlle Clairon, qui étudie méticuleusement chaque rôle, avec Dumesnil, plus instinctive mais capable d’atteindre des sommets. Il révèle que les comédiens n’ont pas besoin d’une sensibilité réelle pour exceller, mais d’une imitation minutieuse et d’une répétition. Un bon acteur doit rester fidèle à son rôle sans être submergé par ses propres émotions. Les acteurs parfaits sont insensibles, concentrés sur l’observation et l’imitation. Enfin, Diderot conclut en soulignant l’importance d’une harmonie collective pour exprimer la sensibilité de manière impressionnante, tout en respectant l’ordre et l’ensemble.
Les acteurs Mlle Clairon et Molé sont passés de l’interprétation mécanique à de grands comédiens. L’auteur se demande si leur âme, leur sensibilité et leurs entrailles sont la clé. Selon lui, ce n’est pas celui qui est hors de lui-même qui captive, mais celui qui est maître de son expression. L’auteur prend l’exemple de Garrick et sa capacité à exprimer différentes émotions rapidement. Cependant, il remet en question si son âme peut réellement ressentir toutes ces passions simultanément.
Selon Diderot, un acteur talentueux peut être bridé par un partenaire de scène moins compétent. L’expérience et la maîtrise de soi font la grandeur d’un comédien, non la jeunesse ou la passion. Des exemples cités démontrent la résilience et le talent des comédiens face à des situations difficiles sur scène. Il est précisé que le véritable talent réside dans la capacité d’un acteur à jouer un rôle sans tomber dans la caricature, tout en maintenant une connexion émotionnelle authentique. Des acteurs emblématiques illustrent l’importance de l’art dans la performance. L’auteur critique la dramatisation excessive de la société, souligne la distinction entre la colère réelle et celle feinte, et défend une simplicité héroïque dans le discours théâtral. L’importance de l’adaptation est mise en avant, avec une référence à la rigueur des répétitions à Naples pour atteindre la perfection. Enfin, l’auteur relate un débat sur la sensibilité entre un écrivain et un comédien, rappelant que la sensibilité ne suffit pas à faire un bon acteur.
PREMIÈRE PARTIE
Les nuances de l’art théâtral : Imitation vs. Nature
Deux interlocuteurs discutent de l’œuvre d’un tiers. L’un hésite à critiquer par crainte d’affecter leurs relations, malgré l’assurance de l’autre que ce ne serait pas le cas.
L’échange met en relief les nuances entre le comédien imitateur et le comédien de nature, soulignant l’importance de l’expérience et de la nature. Il conteste la suprématie des figures théâtrales classiques comme Racine et Corneille, et remet en question la nécessité d’une représentation réaliste sur scène, en faveur d’un idéal poétique. L’acteur doit être capable de se distancer de sa propre sensibilité pour mieux adopter ses rôles, insistant sur la primauté de la théâtralité sur la vérité brute. La maturité d’un acteur est comparée à celle du vin, soulignant que l’expérience améliore la performance. Enfin, il prévient des risques d’une interaction entre un acteur médiocre et un excellent, et relativise l’impact de l’âge sur le jeu de l’acteur.
Intervention de deux comédiens
Deux comédiens, mari et femme dans la vie réelle, qui délivrent une performance théâtrale vibrante, captivant leur public malgré leur détestation mutuelle. Ils jouent une scène d’amour passionné tirée de Le Dépit amoureux de Molière, où leur animosité se révèle à travers leurs répliques cinglantes. Malgré l’animosité réelle entre eux, leur talent fait triompher leur représentation. Cependant, une fois hors de la scène, leur hostilité reprend, traduite par des actes de violence et des insultes.
Réflexions profondes sur le théâtre
Dans une discussion profonde sur le théâtre, l’échange met en lumière le talent des acteurs pour mêler réalité et performance scénique, malgré les défis personnels. Il met en évidence l’hypocrisie du public qui ne comprend pas toujours la vraie nature des acteurs. L’histoire d’un acteur prodigieux capable de passer d’une émotion à une autre est décrite, illustrant le rôle crucial de la sensibilité dans l’art. Il explore également la distinction entre les représentations réalistes et idéalisées en art, comme dans la comédie et la peinture, et valorise l’acteur capable d’incarner une gamme de rôles. Le concept du talent d’acteur et l’importance de la sensibilité dans la performance sont également examinés, citant des exemples tels que Garrick. L’ambition des dramaturges grecs antiques d’émouvoir profondément leur public est donc présentée comme un idéal pour la création théâtrale.
L’art de se glisser dans différents personnages
Cette discussion souligne le rôle du comédien, sa capacité à se transformer en différents personnages, et les défis inhérents à l’industrie du théâtre. Les deux protagonistes débattent de l’influence du théâtre sur la société, soulignant l’importance de l’honneur et de la vertu dans l’art dramatique. Ils discutent également de la différence entre les émotions réelles et celles représentées sur scène. Puis, ils explorent les qualités nécessaires à la tragédie et à l’art dramatique, critiquant l’artifice et questionnant le rôle de la sensibilité dans la représentation théâtrale.
En discutant de l’art de la comédie, l’un des interlocuteurs parle de madame Riccoboni, qu’il considère comme une mauvaise actrice malgré sa sensibilité et son talent pour l’écriture. Caillot, au contraire, réussit à se détacher facilement de son rôle tragique, soulevant une question sur la nécessité de maîtriser la sensibilité pour exceller dans l’art dramatique. Le dialogue s’achève sur la volonté d’apprécier mademoiselle Raucourt dans la pièce Didon. Le premier interlocuteur s’interroge sur la capacité d’une jeune actrice à atteindre la perfection, arguant que la sensibilité ne suffit pas, et soulignant l’importance du jugement, de l’étude et de l’expérience dans l’interprétation réussie de rôles complexes.
DEUXIÈME PARTIE
Conversation introspective aux Tuileries
Les deux interlocuteurs vont au spectacle, mais ne trouvent pas de place, ils finissent par se promener aux Tuileries. Ils semblent oublier leur présence mutuelle et se parlent à eux-mêmes. L’un parle à voix haute et l’autre à voix basse. Les idées de l’homme au paradoxe sont décousues, mais il évoque un acteur qui se comporte de manière géniale dans une situation embarrassante. Il mentionne également une scène d’une pièce de théâtre impliquant une figure burlesque. Ensuite, il évoque un troisième personnage tragique et fait référence à son père, qui l’invitait à s’exprimer dans son cornet.
Contrefaire la sensibilité : faciliter l’imitation ou l’authenticité ?
Ce passage met en lumière le contraste entre le caractère naturel d’un acteur et le rôle qu’il joue, en l’occurrence celui de Tartuffe. Il questionne où l’acteur trouve les nuances du rôle, surtout quand il s’agit de dépeindre l’hypocrisie. L’auteur débat de la facilité relative de contrefaire la sensibilité, suggérant qu’il peut être plus facile d’imiter ce trait que d’autres, comme l’avarice ou la méfiance. La distinction entre une émotion authentique et une émotion contrefaite est mise en exergue. L’acteur qui peut parfaitement s’éloigner de lui-même et embrasser le modèle idéal est considéré comme supérieur. En fin de compte, il est affirmé qu’un acteur qui s’oublie complètement dans le rôle, au point de ressentir réellement les émotions qu’il dépeint, pourrait nous enivrer d’admiration.
La vérité naturelle vs la vérité conventionnelle : conflit chez le comédien
L’homme paradoxal discute de trois modèles humains : celui de la nature, du poète et de l’acteur. Il affirme que l’homme de la nature est moins grand que celui du poète, et ce dernier est moins grand que le grand comédien, l’exagération incarnée. Cependant, il soutient que si le comédien possède une sensibilité trop grande, il devient inapte à jouer ou joue ridiculement, car sa vérité naturelle entre en conflit avec la vérité conventionnelle du théâtre. Il souligne que l’imitation exacte de la nature n’est pas toujours souhaitable dans l’art de la comédie, car il existe des limites imposées par le bon sens pour qu’un talent ne nuise pas à un autre. L’homme paradoxal fait valoir que même si un poète écrivait une pièce destinée à être jouée de manière naturelle, aucun acteur ne pourrait jouer cette scène efficacement. Il conclut que pour chaque génie capable de reproduire une vérité naturelle prodigieuse, il y aurait une multitude d’imitateurs fades et insipides. Il est essentiel, selon lui, de ne pas s’éloigner de la simplicité naturelle.
TROISIÈME PARTIE – LE ROLE ET L’IMPACT DES ACTEURS SUR SCENE
Dans cette dernière partie, les deux interlocuteurs débattent du rôle et de l’impact des acteurs sur scène. L’un raconte un rêve où un acteur anglais, Macklin, parle des impressions qui subjuguent le comédien et le soumettent au génie du poète, lequel peut être nuisible. Ils discutent ensuite du fait que les acteurs jouaient autrefois des rôles de femmes et évoquent une performance émouvante d’un certain Paulus qui, déguisé en Électre, a pleuré sur les cendres de son propre fils sur scène. Ils débattent de l’authenticité des émotions sur scène et du potentiel danger d’un engagement trop profond, citant l’exemple d’un acteur, Æsopus, qui a tué un serviteur sur scène en incarnant la passion d’Atréus. Ils concluent que l’efficacité des acteurs réside dans leur capacité à imiter les passions plutôt qu’à les éprouver réellement, et que cette compétence peut être plus puissante que la véritable passion. L’échange se termine par le premier interlocuteur qui propose au second d’aller souper.
Analyse de l’oeuvre
Dans cet échange, deux personnages s’engagent dans une conversation. Le premier dirige le discours, déployant de manière détaillée ses conceptions, alors que le second agit en quelque sorte comme un catalyseur, invitant le premier à exprimer ses pensées, condensant et reformulant ses déclarations pour une assimilation plus aisée. Le protagoniste principal, en phase avec l’auteur, énonce son idéal du véritable acteur de théâtre. Il est plausible de penser que Diderot s’est lui-même projeté dans ce premier interlocuteur. Ce dernier expose donc ses propres convictions. Le second participant, semblable à la position du lecteur, cherche à saisir la définition du comédien exposée à travers le débat. Ce personnage joue un rôle crucial, car c’est par son intermédiaire que le lecteur forge sa compréhension. Puisque le premier interlocuteur est perçu comme le détenteur du savoir, le lecteur peut plus facilement s’identifier à lui.
La conception diderotienne d’un “bon comédien“, véhiculée par le premier interlocuteur, est celle d’un comédien astucieux et dénué d’empathie émotionnelle. Il est capable de modifier son personnage à volonté, dans le sens où il est totalement détaché de l’identité du rôle. De ce fait, il peut endosser divers rôles sans jamais perdre sa propre personnalité, et c’est peut-être parce qu’il n’est pas limité à une seule identité qu’il peut en adopter plusieurs.
Ainsi, Diderot envisage le comédien suprême comme un caméléon capable d’adopter tous les rôles et d’exprimer toutes les émotions, mais aussi de s’en distancier après la performance. Il pose la question du véritable rôle social du comédien. En faisant référence aux poètes de l’Antiquité, Diderot évoque la double fonction du théâtre : divertir et conscientiser. Il déplore néanmoins que la société se focalise davantage sur l’aspect superficiel du théâtre plutôt que sur son message intrinsèque. En plus de ses qualités moralisatrices et divertissantes, le théâtre possède une dimension esthétique, embellissant la société et le monde. À travers tous les rôles qu’il interprète, le comédien contribue à la société, jouant ainsi son rôle dans l’accomplissement de la mission universelle de celle-ci.
